Glanz tötet die Farbe

Spricht Małgorzata Czyńska

Maciej Przybylski im Gespräch mit Małgorzata Czyńska

Wann haben Sie der Farbe zum ersten Mal Sand beigemischt?

Vor etwa fünf oder sechs Jahren. Die glatte Oberfläche des Gemäldes begann mich einfach zu irritieren, diese Idee eines Gemäldes als Spiegel oder Fenster hat sich für mich abgenutzt. Eine Geschichte, die ich einmal gehört habe, ist mir im Gedächtnis geblieben: wo angeblich der Professor, bevor er eine visuelle Korrektur vornimmt, das Gemälde berührt und mit der Hand auf der Leinwand auf und abfährt, um zu prüfen, ob es keine Bruchlinien zwischen den Farbschichten gibt. Wenn es welche gibt, wird das Gemälde überhaupt nicht besprochen. Ein solches Konzept der Malfläche als Heiligtum stößt bei mir auf Widerstand. Und obwohl die Kunst der Materiemalerei bei uns eine lange Tradition hat, hatte ich dennoch das Gefühl, mit dem Hinzufügen von Sand zur Farbe ein Sakrileg zu begehen.

Fangen wir ganz von vorne an. Warum haben Sie sich für die Kunst entschieden?

Die Kunst hatte mich in ihrem Bann, ich hätte mich nicht anders entscheiden können. Irgendwann war sie der einzige Sinn, der einzige Grund für mich zu leben. Am Ende der Grundschule verfolgte ich zwei Kunstsparten gleichzeitig - Musik und bildende Kunst. Ich war völlig verloren. Aber auf die Frage, was ich im Leben machen wolle, antwortete ich provokant, dass ich wohl Konditor werde. Ich besuchte ein Gymnasium für bildende Kunst und bald darauf auch eine Kontrabassklasse am Musikgymnasium. Von der Kunstschule war ich so enttäuscht, dass ich am Ende meiner Schulzeit dachte: „Keine Kunst mehr“. Ich entschied mich für ein Architekturstudium. Und da gab es eine Überraschung: Ich bin im Zeichnen durchgefallen. Übrigens: Zeichnen ist das, was ich seit fünfundzwanzig Jahren unterrichte. Nach dem Abitur bin ich an einer Fachschule für Bauwesen gelandet, und ich hatte vor, die Prüfungen für ein Architekturstudium zu wiederholen. Morgens ging ich in die Musikschule, nachmittags in die Bauschule, und abends konnte ich zeichnen. Bald kam ich zu dem Schluss, dass ich meine Mappe an der Universität der Bildenden Künste (damals noch die Staatliche Hochschule für Bildende Künste) in Poznań einreichen würde. Die Wahl des Studienfachs fiel mir nicht schwer, denn zufällig sah ich es bei einer Ausstellung von Goyas Grafiken aus der Serie „Die Schrecken des Krieges“, und ich beschloss, Grafik und Metalltechnik zu studieren.

Ein schöner Gründungsmythos. In wessen Atelier haben Sie studiert?

Ich studierte Grafik bei Professor Tadeusz Jackowski von der Akademie der Bildenden Künste in Krakau. Damals kamen viele Krakauer Künstler zu uns, darunter auch Jacek Waltoś und Jerzy Kałucki. Die 1980er Jahre waren eine gute Zeit für die Schule in Poznań. Ich studierte Zeichnen bei Professor Bogdan Wojtasiak und Malerei bei Włodzimierz Dudkowiak, aber Bogdan betrachtete ich als meinen künstlerischen Vater. Ich glaube, dass ich eine Art Bindung zu ihm hatte, die mir Vertrauen in das gab, was ich tat. Viele der Menschen, die ich an der Universität getroffen habe, haben mich beeinflusst. Es ist eine einzigartige Erfahrung, zu einer Gemeinschaft zu gehören, die Ideen schafft. Ich glaube, dass alle Menschen, denen wir in unserem künstlerischen Leben und darüber hinaus begegnen, Mitgestalter unserer Identität sind, wofür ich ihnen sehr dankbar bin.

Offenbar waren Sie lange Zeit ein figurativer Maler.

Ich war ein erklärter und leidenschaftlicher figurativer Maler, auch ein Porträtmaler. Während meines gesamten Studiums war ich vom menschlichen Körper fasziniert. Künstler wie Francis Bacon und Lucian Freud waren für mich sehr wichtig. Später entdeckte ich Balthus, den ich wegen seiner starken Eingriffe in die Ordnung der gesehenen Realität mochte.

Nicht mehr Realismus, sondern magischer Realismus.

Eben. Auch der spanische Künstler Antonio López García, Vater der Madrider Schule des Hyperrealismus, hat mich fasziniert. All das war mir sehr nahe. Und dann kam eine Krise: hatte das Gefühl, dass ich mit dem Kopf gegen eine Wand gestoßen war, und beschloss, alles zu ändern. Es war ein Moment des Übergangs. Ich begann mich für Psychologie zu interessieren, was sich in der Stimmung meiner Werke niederschlug, in dem Versuch, emotionale Zustände in Gemälde zu übertragen. Ich wurde mir der mentalen Aktivitäten bewusst, auch der normalerweise unbewussten.

Ist die Grundlage Ihrer Kunst in der Psychologie zu finden?

Es war nicht so, dass ich in der Psychologie eine Inspiration zum Malen gefunden habe, vielmehr gab sie mir das Gefühl der Freiheit, sie hat das, was ich tat, gebilligt. Ich begann, mich selbst zu suchen. Das erste Buch, das ich auf diesem Gebiet las, war natürlich Freuds „Einführung in die Psychoanalyse“. Dann war ich von Carl Gustav Jung fasziniert. Einige seiner Texte machten mich auf bestimmte Bereiche aufmerksam, von denen ich vorher nicht wusste, dass sie existieren. Ich malte eine Reihe ausdrucksstarker schwarzer Bilder, die eindeutig aus meinen emotionalen Zuständen heraus entstanden sind. Ich fühlte mich ideologisch verankert. Ich halte mich an Max Ernsts Spruch, ein Auge auf das Äußere und das andere auf das Innere zu richten.

Sie mögen Experimente in der Malerei. Malen Sie in Serien?

Meine Bilder verändern sich ständig, die Sprache, die ich benutze, ändert sich. Ich erforsche gerne neue Ideen.

Wenn eine Aussage erschöpft ist, keimt bereits eine neue Idee auf. Interessanterweise stelle ich manchmal fest, dass einzelne Arbeiten von vor Jahren perfekt in eine neue Serie passen könnten. Bestimmte Ideen tauchen gelegentlich auf, aber sie haben aber nicht immer die Kraft, sich durchzusetzen. Eine Serie bietet diesen Resonanz, sie erlaubt es, das Thema, die Stimmung und die Sprache zu erkunden.

Passen Musik und Malerei für Sie zusammen?

In meiner Jugend war Musik für mich ein Ausdruck des Widerstands und eine Art von Vergnügen, aber sie war nicht mit der Malerei verbunden. Die Erkenntnis, dass es anders ist, dass diese beiden Bereiche miteinander verwoben sind, kam zu mir während der Arbeit an einem dieser schwarzen Gemälde. Ich hörte gerade „The Rite of Spring“ von Strawinsky.

Als das Gemälde fast fertig war, schaltete ich Mahlers Symphonie Nr. 5 ein und mir wurde plötzlich klar, dass diese Musik überhaupt nicht zu meinem Bild passte. Und so stellte sich die Frage, ob „The Rite of Spring“ einfach meinem damaligen Gemütszustand entsprach, oder ob es so sehr mit der Erfahrung der Entstehung des Malprozesses integriert war, dass Mahler zu diesem Zeitpunkt unerträglich erschien. Heute denke ich, dass es eine intermediale Erfahrung war, dass die Musik in der Lage ist, unsere Wahrnehmung eines Gemäldes neu abzustimmen, aber das gilt auch für alltägliche Erfahrungen.

Das gab mir den Anstoß, dieses Thema in meiner Doktorarbeit weiterzuverfolgen, in der ich die gegenseitigen Einflüsse zwischen Musikavantgarde und Malereiavantgarde in Europa untersucht habe. Heute verfolge ich ganz bewusst diese Richtung, ich beziehe mich ganz klar auf musikalische Themen. Zwei meiner neuesten Gemälde tragen die Titel „Polyphonie der Seufzer“ und „Polyphonie der Ereignisse“, es gibt auch Serien mit Titeln wie Opusnummern, aber auch Titel wie „Caprice“, „Etüde“ usw. Schließlich spiegelt sich die Musik in meinen Gemälden wider.

Außerdem habe ich mit meinem Freund Mikołaj Fajfer performative Aktivitäten unter dem Titel „Klanglabor“ gestartet.

Wir untersuchen das Phänomen der Resonanz, die Gehirnaktivität des Musikers und des Zuhörers. Es ist fast ein spirituelles Feld, das sich zwischen Menschen bildet. Manche sehen in diesem Phänomen der Resonanz ein Instrument zur Bereicherung der Gesellschaft. Aber um auf die Malerei zurückzukommen: Es ist nicht so, dass ich eine Hintergrundmusik für meine Malerei brauche. Wir nehmen die Welt mit mehreren Sinnen wahr.

Man hört oft, dass „der Künstler reif für abstrakte Malerei ist“. Ist Abstraktion etwas für Erfahrene?

Jeder hat seinen eigenen Weg zur Abstraktion. Aber wenn ich mich selbst oder die jungen Leute, mit denen ich arbeite, betrachte, sehe ich, dass jeder selbst zur Abstraktion kommen muss, dass es meist ein langer Prozess ist.

Ich habe erst vor etwa fünfzehn Jahren begonnen, bewusst abstrakte Formen zu wählen.

Aber wie schon gesagt, jeder hat seinen eigenen Weg.

Sie werfen Sand auf Ihre Gemälde, sie fügen gerne verschiedene Materialien auf der Leinwand hinzu, um eine Textur aufzubauen.

Textur ist wichtig, sie ist eine Provokation. Das Malen auf verschiedenen Oberflächen löst in mir die Sensibilität, aber auch die Inspiration aus oder verstärkt sie sogar. Wenn ich ein Gemälde beginne, bin ich noch auf der Suche nach seiner Form. Das Malen ist ein Prozess, an dem ich teilnehme. Wir kontrollieren ihn scheinbar, aber ein Teil davon geschieht außerhalb unseres Bewusstseins. Meine Habilitationsschrift trug den Titel „Auf der Suche nach der Grenze zwischen Ordnung und Chaos“, was sich einerseits auf das Bewusstsein und andererseits auf das Unbewusste bezog. Ich wusste schon, dass es psychische Kräfte gibt, die, ich will nicht sagen „es besser wissen“, aber sie wissen es anders.

Mögen Sie es, wenn ein Gemälde Sie überrascht?

Ich liebe es. Ich mag es, wenn während des Malens etwas passiert, das mich aus der Bahn wirft, wenn ein Moment kommt, in dem man das, was man gerade macht, problematisiert. Wenn man es schafft, dieses Problem zu lösen, entsteht etwas Unerwartetes.

Das Stören der Materie auf dem Gemälde ist ein Versuch, es sich selbst schwer zu machen, einen Farbfleck zu legen, da die Materie selbst die Farbe verunstaltet - Rot auf glattem Untergrund und Rot auf rauem Untergrund ist ein anderes Rot.

Ich mag die Rauheit Ihrer Bilder. Sie verleiht ihnen eine gewisse Noblesse.

Ich mag Rauheit und matte Oberflächen. Der Glanz tötet die Farbe.